Salida de campo

Museo Banco de la Republica

"La visita al Museo Banco de la República, Museo de arte MAMU, fue una experiencia fascinante y enriquecedora. Ubicado en la Calle 11 No. 4-21, Bogotá, este espacio alberga una variada colección de pinturas y arquitecturas que ofrecen un viaje a través de la diversidad artística de varios creadores.

Entre todas las obras que pude contemplar durante esta salida, dos de ellas atrajeron poderosamente mi atención. En adelante, compartiré mi impresión y reflexión sobre estas piezas particulares, detallando mis razones y destacando algunas características que desde mi perspectiva se volvieron significativas."

Mujer sentada

fotografía tomada en el museo banco de la república

Ficha técnica

Análisis 

Esta obra de arte llamo mi atención al interactuar con la obra "Mujer Sentada" de Willem de Kooning. Porque desde que la vi no me genero una conexión inmediata y no me transmitió un significado claro. Algunas obras desafían la comprensión convencional y pueden resultar en interpretaciones divergentes, pero en esta ocasión no pude tener una interpretación. 

Es válido expresar que intente entender la obra desde distintos ángulos, cambiando la perspectiva de observación entre lejos, cerca y lateralmente, pero no conseguí identificar una representación nítida y no logró comunicarme algo más allá de la apreciación superficial de los colores utilizados. La ausencia de una representación clara de una mujer sentada, tal como sugiere el título, puede generar una sensación de decepción o desconexión con la obra. La expectativa de encontrar una representación evidente puede influir en la apreciación de la obra.

Además, intenté reflexionar acerca de porque no la lograba entender y pensé que de pronto era el resultado de un bloqueo creativo y que pude haberme visto afectada por mi estado emocional o mental en ese momento particular. Los bloqueos creativos o las emociones pueden influir en la percepción del arte, ya que la interpretación de una obra de arte a menudo está influenciada por el estado mental y emocional del observador.

Sin embargo, desde mi perspectiva, no considero esta obra como arte. Aunque se exhiba en un museo, no logró comunicarme una imagen clara. A pesar de mis intentos por descifrar su significado, no pude encontrarlo. Creo que el arte tiene como objetivo transmitir y comunicar, y en este caso, no logré captar ninguna de estas dos facetas en la obra de De Kooning.

"El Autobús de Broadway en la Calle de Liberty"

               

fotografía tomada en el museo banco de la república

Ficha técnica

Análisis 

Esta obra de arte, "El Autobús de Broadway en la Calle de Liberty", me sorprendió inicialmente porque pensé que era una fotografía. Al volver a pasar por delante y descubrir que se trataba de una pintura al óleo sobre lienzo, mi percepción cambió radicalmente, y comencé a apreciarla con más detenimiento. La habilidad del artista para representar la realidad de la visión desde un autobús me dejó impresionada.

Lo que más me impactó fue la minuciosidad con la que cada elemento estaba representado en la obra. Desde las personas hasta los objetos naturales y artificiales, todo estaba detallado con una precisión extraordinaria. La ilusión de movimiento que la pintura logra crear es simplemente fascinante; parece que estuviera a bordo de un autobús, observando la escena pasar. El manejo de la luz y las sombras añade una profundidad espectacular a la obra.

Es precisamente por estas razones que considero que esta obra es arte en su máxima expresión. Desde el principio, me impactó profundamente al confundirla con una fotografía, y creo que logró transmitirme la intención visual desde la perspectiva de un autobús. Sentí que estaba inmerso en la calle de Broadway y que esta obra captaba la esencia de ese lugar de una manera única y detallada.

La capacidad del artista para llevar la realidad a la tela de manera tan convincente y evocadora es lo que define esta pieza como una obra de arte en mi opinión. La precisión y la habilidad técnica para capturar la esencia de una visión particular y hacerme sentir parte de ella es lo que hace que esta obra sea más que una simple representación; es una ventana que trasciende a la realidad visual.

Conclusiones 

"La visita al Museo Banco de la República, Museo de arte MAMU, ha sido una jornada enriquecedora y cautivadora. Explorar las variadas obras de arte y la diversidad de estilos artísticos ha sido un viaje revelador. Entre las muchas piezas admirables, dos obras en particular me atrajeron poderosamente: 'Mujer Sentada' de Willem de Kooning y 'El Autobús de Broadway en la Calle de Liberty'.

'Mujer Sentada', aunque desafiante en su interpretación, no logró establecer una conexión inmediata conmigo. A pesar de mi intento por comprenderla desde diferentes perspectivas y niveles emocionales, no pude encontrar una representación clara ni un mensaje significativo en la obra. Si bien reconozco que algunas piezas desafían la interpretación convencional, en esta ocasión, no logré captar la esencia artística que esperaba.

Por otro lado, 'El Autobús de Broadway en la Calle de Liberty' me impactó profundamente. Inicialmente, me sorprendió su aparente similitud con una fotografía, pero al descubrir que era una pintura al óleo sobre lienzo, mi apreciación cambió radicalmente. La meticulosidad en cada detalle, la ilusión de movimiento y la habilidad para transportar al espectador a la escena representada me dejaron fascinado. Esta obra logró trascender la mera representación visual y me sumergió en una experiencia sensorial única.

Agradezco profundamente la oportunidad de haber podido interactuar con estas obras y reflexionar sobre ellas. Cada pieza, independientemente de mi percepción individual, enriqueció mi comprensión y aprecio por el arte en su diversidad y complejidad. La experiencia en el museo ha sido una ventana a la diversidad artística, desafiando mis expectativas y enriqueciendo mi visión del arte y su impacto en la percepción individual."

Arte y verdad

La verdad en el arte es un concepto complejo y subjetivo que puede abarcar múltiples dimensiones, incluyendo la autenticidad, la profundidad emocional y la capacidad de comunicar significado. El arte no se limita a ser una mera representación de la realidad, sino que puede ser una forma de expresar verdades diversas y profundas a través de la creatividad y la interpretación.

¿Qué tiene que ver el arte con la verdad? La corriente

1. ¿El arte es representación real?

El arte puede ser una representación de aspectos de la realidad, pero no necesariamente es una representación realista o exacta. El arte a menudo implica interpretación y expresión subjetiva por parte del artista, lo que puede llevar a representaciones estilizadas, abstractas o simbólicas de la realidad. Entonces, el arte no siempre busca replicar la realidad tal como es, sino que puede ofrecer una visión personal o subjetiva de la realidad.

2. ¿La similitud en el arte es lo verdadero?

La similitud en el arte no necesariamente equivale a la verdad. Aunque la similitud puede ser un aspecto de la representación artística, la verdad en el arte puede ser más profunda y multifacética. Puede referirse a la capacidad del arte de comunicar verdades emocionales, simbólicas, culturales o filosóficas que no están necesariamente relacionadas con la similitud con la realidad tangible.

3. ¿Cómo se define la verdad artística?

La verdad artística no se puede definir de manera unívoca, ya que puede variar según el contexto y la perspectiva. Puede referirse a la autenticidad de la expresión del artista, la capacidad del arte para comunicar ideas y emociones genuinas, y la profundidad de la interpretación que provoca en el espectador. La verdad artística implica una conexión significativa entre la obra de arte y el espectador, donde la obra puede revelar aspectos de la experiencia humana, la cultura o la sociedad.

4. ¿La verdad estética es creada por el arte?

La verdad estética es, en parte, creada por el arte. La apreciación estética es subjetiva y depende de la interpretación individual. El arte tiene el poder de despertar emociones, generar reflexiones y ofrecer nuevas perspectivas, lo que contribuye a la verdad estética. La verdad estética se relaciona con la experiencia personal y la apreciación de la belleza y el significado en una obra de arte.

5. ¿La veracidad en el arte es su existencia cosal?

La veracidad en el arte no está necesariamente relacionada con la existencia cosal, es decir, con la existencia objetiva de algo en el mundo. En lugar de buscar replicar la realidad de manera exacta, el arte puede transmitir verdades subjetivas, emocionales, simbólicas o abstractas. La verdad en el arte se basa en la capacidad del arte para comunicar significados y emociones, en lugar de su fidelidad a la realidad externa.

6. ¿La verdad artística está en su unicidad?

La verdad artística no está necesariamente vinculada a la unicidad o la originalidad de una obra. Dos obras de arte diferentes pueden comunicar verdades igualmente significativas. La unicidad de una obra puede ser un aspecto valorado en el arte, pero no es un requisito para que una obra sea considerada verdadera. La verdad artística se relaciona más con la autenticidad, la profundidad y la capacidad de comunicar algo significativo.

Conclusión

Durante la cuarta clase de la filosofía del arte además de crear un pequeño debate entre en grupo acerca de Arte y verdad, también tuvimos la oportunidad de crear un dibujo cada uno, el cual les compartiré el mío a continuación: 

Lo estético, lo artístico y lo extra-estético

 Según los textos de Rosenkranz y Kant, podemos definir los siguientes conceptos:

1. Lo estético: se refiere a todo lo relacionado con la experiencia de la belleza, la sublimidad y la apreciación de las formas, cualidades y expresiones artísticas en general. Es el ámbito en el que se experimentan y evalúan los aspectos visuales, sensoriales y emocionales de la percepción artística y estética. Lo estético involucra la capacidad de apreciar y evaluar la belleza, la armonía y lo agradable en el arte y la experiencia visual y sensorial en general.

2. Lo artístico: Lo artístico se refiere a la expresión creativa y la producción de obras de arte, ya sean visuales, literarias, musicales o de cualquier otro tipo. Es el ámbito en el que los artistas crean obras que expresan ideas, emociones y conceptos a través de una variedad de medios y formas de expresión. Lo artístico implica la intención creativa y la comunicación a través de la obra de arte, lo que puede o no resultar en experiencias estéticas para los espectadores o receptores.

3. Lo extra-estético: Lo extra-estético se refiere a aspectos de la experiencia y la percepción que no están directamente relacionados con la apreciación de la belleza o la sublimidad. Incluye elementos que pueden influir en la apreciación estética, pero que van más allá de los aspectos puramente estéticos, como el contexto histórico, cultural, político, filosófico o personal que rodea a una obra de arte o experiencia estética. Lo extra-estético puede incluir consideraciones morales, éticas o cognitivas que influyen en la interpretación de una obra de arte.

Diferencia entre lo bello y lo sublime, según Kant:

Lo bello

Lo sublime

La experiencia estética de lo que es armonioso, agradable y placentero. Lo bello se caracteriza por la perfección, la simetría y la capacidad de deleitar los sentidos. Es algo que se experimenta como agradable y que evoca un sentido de satisfacción y gozo estético.

La experiencia estética de lo que es grandioso, majestuoso y asombroso. Lo sublime provoca un sentido de admiración y asombro que va más allá del placer estético. Puede estar relacionado con la vastedad, la grandeza, la inmensidad o lo imponente. La experiencia sublime puede ser abrumadora y desafiar la comprensión, pero no necesariamente brinda placer estético en el sentido tradicional. En cambio, provoca un sentido de respeto y admiración ante lo impresionante.

Durante la tercera clase de la filosofía del arte además de crear un pequeño debate entre en grupo acerca de Lo estético, lo artístico y lo extra-estético, también tuvimos la oportunidad de crear un dibujo cada uno, el cual les compartiré el mío a continuación: 

Axiología del arte

                                           

 Que es la axiología o también llamado "teoría del valor" es parte de la filosofía que estudia el procedimiento de ordenar por el grado de importancia a los elementos. Regula las relaciones del hombre con el contexto social donde vive, su posición frente a los demás, al mundo y a la vida. es decir, los valores. con lo anterior me pregunto lo siguiente:

1. ¿Qué clase de valores constituye?

Los valores que constituye son principalmente de naturaleza estética y ética. La axiología se centra en el estudio y la comprensión de los valores, y en este contexto, se abordan los valores relacionados con la belleza, la apreciación artística y la moralidad. Esto incluye la evaluación de lo que se considera bello, apropiado o valioso en el arte y la cultura, así como la comprensión de los valores éticos que pueden subyacer en las decisiones y juicios estéticos.

arte y medios de comunicación masiva

2. ¿Cómo se manifiestan sus valores?

Los valores estéticos se manifiestan a través de la creación y apreciación del arte y la cultura. Pueden expresarse en obras de arte, arquitectura, diseño, música, literatura y otras manifestaciones artísticas. Los valores éticos, por otro lado, pueden influir en la toma de decisiones y juicios sobre lo que es moralmente aceptable o inaceptable en contextos estéticos. La manifestación de estos valores puede variar según la cultura y el período histórico.

can foto almacenada

3. ¿Cuál es su eticidad?

La eticidad en este contexto se refiere a la relación entre la ética y la estética. La ética y la estética a menudo interactúan en el arte y la cultura. Por ejemplo, la ética puede influir en las decisiones morales que los artistas toman al crear su obra, y la estética puede desempeñar un papel en cómo se comunica un mensaje ético en una obra de arte. La eticidad puede manifestarse en la exploración de temas morales a través de expresiones artísticas, como la literatura que aborda dilemas éticos o el cine que cuestiona la moralidad.

4. ¿Cómo se articulan la ética-estética en el arte?

La articulación de la ética y la estética en el arte puede ocurrir de diversas maneras. Por ejemplo, un artista puede utilizar su obra para plantear cuestiones éticas y morales, lo que invita a los espectadores a reflexionar sobre temas éticos a través de una experiencia estética. Además, la elección de temas, la representación de personajes y las decisiones estilísticas en el arte pueden reflejar valores éticos y estéticos. La ética-estética en el arte también se relaciona con la responsabilidad del artista en la forma en que comunica sus mensajes y cómo impacta en la sociedad.

5. ¿Cuál es su valencia social?

La valencia social se refiere a cómo los valores estéticos y éticos influyen en la sociedad. La ética en el arte se relaciona con la influencia que las obras de arte pueden tener en la percepción y comprensión de los valores morales en la sociedad. El arte puede ser una plataforma para expresar y cuestionar valores éticos, provocando debates y reflexiones en la sociedad. La valencia social de la ética en el arte implica su impacto en la cultura, la moralidad y la conciencia colectiva.

Durante la segunda clase de la filosofía del arte además de crear un pequeño debate entre en grupo acerca de la axiología, también tuvimos la oportunidad de crear un dibujo cada uno,  el cual les compartiré el mío a continuación: 

Existencialidad y arte

En el mundo acelerado y exigente en el que vivimos, la existencia humana se encuentra atravesada por tensiones, presiones y una constante ansiedad. Es en este contexto que las reflexiones de Byung-Chul Han sobre la existencialidad y el arte cobran una relevancia esencial. A lo largo de su obra, Han nos sumerge en un análisis penetrante de la sociedad contemporánea, desvelando cómo la sobreexigencia y la cultura del rendimiento afectan profundamente nuestra percepción de la realidad y la esencia misma de nuestra existencia. Su enfoque crítico nos invita a repensar nuestra forma de percibir el mundo, cuestionando las normas establecidas y ofreciéndonos una mirada perspicaz sobre la autenticidad y la inautenticidad en la vida moderna.

De manera singular, Han destaca el papel fundamental que el arte desempeña en este escenario. Lo considera una herramienta poderosa, capaz de trascender los límites establecidos, ofreciendo una ventana para reflexionar sobre la sociedad, desafiar las estructuras impuestas y expresar las tensiones y contradicciones inherentes a nuestra realidad. Su análisis nos lleva a entender cómo el arte contemporáneo se ve influenciado por las dinámicas del rendimiento y la producción masiva, planteando preguntas cruciales sobre su autenticidad y su capacidad para resistir la lógica del mundo moderno.

A lo largo de este espacio, exploraremos las ideas y reflexiones de Byung-Chul Han sobre la existencialidad y el arte en la sociedad actual, sumergiéndonos en un viaje intelectual que desafía las nociones preestablecidas y nos invita a reflexionar profundamente sobre nuestra propia experiencia en este mundo acelerado y demandante. ¡Bienvenidos a este viaje de descubrimiento y reflexión

Byung-Chul Han

¿El arte es representación real?

El arte puede verse afectado por las diferentes situaciones de su contexto.  En lugar de centrarse en la representación realista del mundo, Han se interesa más en cómo estas presiones sociales influyen en la producción artística y cómo el arte puede reflejar, cuestionar o resistir estas dinámicas culturales.

En sus obras, Han sugiere que el arte contemporáneo se ve influenciado por la lógica del mercado, lo cual puede llevar a una transformación en las motivaciones creativas y en la percepción del arte como mercancía o producto más que como una expresión auténtica o una representación fiel de la realidad.
Aunque Han no ofrece una respuesta directa a la pregunta sobre si el arte es una representación real, su análisis se centra en cómo el arte puede ser moldeado por las presiones y dinámicas sociales de la actualidad, afectando así su autenticidad y su capacidad para reflejar fielmente la realidad.

Lo pulido en el arte

Sobre la noción de "lo pulido" en el arte, Byung-Chul Han introduce una idea en su obra que señala la sociedad de complacencia positiva como algo hermoso. Esta noción refleja la tendencia de eliminar la negatividad, deshacerse de todo lo que se percibe como diferente o disruptivo en la experiencia contemporánea.

En este contexto, lo pulido en el arte representa la estandarización y uniformidad en la expresión creativa. Es la conformidad con lo establecido, la búsqueda de perfección y armonía, la eliminación de asperezas o elementos que desafíen la norma. Esta búsqueda de pulcritud y uniformidad refleja una sociedad que aspira a lo homogéneo, a una estética que elimina lo disonante y lo inusual. Además, este enfoque estético puede asociarse con la influencia de lo digital en la actualidad, donde se busca satisfacer la complacencia general, llenando los espacios con elementos que se alinean con lo aceptado y lo convencional. Esta idea de lo pulido, según Han, refleja una tendencia hacia la uniformidad y la aceptación social, en detrimento de la diversidad y la singularidad en la expresión artística.
Con lo anterior se puede decir que el concepto de lo pulido, en la visión de Han, está vinculado a la sociedad de complacencia, donde la estandarización y la uniformidad dominan la expresión artística, suprimiendo la autenticidad y la diversidad en aras de una belleza complaciente y uniforme.

Estética del encubrimiento

Byung-Chul Han nos habla acerca de un fenómeno en el cual la estética contemporánea tiende a ocultar o encubrir las realidades conflictivas o disonantes en favor de una apariencia superficialmente agradable o armoniosa, donde existe una tendencia a enmascarar o encubrir aspectos problemáticos, discordantes o disruptivos en lugar de abordarlos directamente. Esta estética del encubrimiento se manifiesta en el arte contemporáneo y en la cultura en general, donde se prefiere presentar una imagen superficialmente placentera y armoniosa en lugar de confrontar las complejidades o contradicciones de la realidad.

En este sentido, la estética del encubrimiento opera como una forma de evasión o negación de los aspectos menos atractivos de la existencia moderna. Se enfoca en crear una apariencia de perfección y belleza superficial, escondiendo las tensiones, los conflictos o los problemas subyacentes que pueden estar presentes en la sociedad o en la experiencia humana.

Esta noción de estética del encubrimiento puede aplicarse al arte contemporáneo, donde se privilegia la estética visual atractiva y pulida en lugar de explorar temas complejos o controversiales. En lugar de confrontar directamente las realidades sociales o personales complejas, el arte puede optar por presentar una imagen estéticamente agradable pero que oculta la profundidad y autenticidad de la experiencia humana.

Belleza como verdad

Han cuestiona cómo la belleza, en su forma más superficial y convencional, se convierte en una verdad aceptada y promovida por la cultura actual. Esta verdad no está arraigada en la autenticidad o la esencia inherente de la belleza, sino que es una verdad artificial construida por los valores y las expectativas culturales.

En este contexto, la belleza como verdad puede ser entendida como un constructo social que dicta qué se considera bello o estéticamente aceptable en un momento y lugar determinados. Esta idea desafía la percepción común de la belleza como un ideal universal y resalta cómo las normas culturales y sociales influyen en la definición y comprensión de lo que se considera hermoso.

Asimismo, Han sugiere que esta noción de belleza como verdad puede conducir a una uniformidad estética, donde se promueven ciertos estándares de belleza y se marginan o excluyen otras formas de expresión estética. En lugar de ser una verdad intrínseca, la belleza se convierte en un constructo que puede imponer limitaciones a la diversidad y la singularidad en la expresión artística y personal.

Conclusión
Durante la quinta clase de la filosofía del arte además de crear un pequeño debate entre en grupo acerca de Existencialidad y arte, también tuvimos la oportunidad de crear un dibujo cada uno, el cual les compartiré el mío a continuación: 

ONTOLOGÍA DEL ARTE

La ontología es una rama de la filosofía, esta se encarga del ser; el ser humano, lo que nos rodea y lo sagrado o espiritual. Esta se centra en el estudio y la exploración de la naturaleza del ser, la existencia y la realidad. Su objetivo es comprender lo que realmente existe y cómo las cosas existen. Los ontólogos se ocupan de cuestiones fundamentales como la naturaleza de la realidad, la esencia de las cosas, la relación entre lo universal y lo particular, y la distinción entre lo real y lo aparente. La ontología busca identificar categorías y conceptos que nos permitan analizar y comprender el mundo que nos rodea, así como reflexionar sobre la existencia y la esencia de las cosas.

Con el mapa anterior, se puede observar un poco acerca de qué es la ontología, cómo nos lleva a formularnos preguntas acerca de la existencia, la estructura del mundo y sobre la realidad. Cabe resaltar que en esta rama encontramos algunos conceptos importantes acerca de la existencia de un Dios y la relación entre la mente y el cuerpo, así como también nos habla acerca de lo espiritual.

Quiero agregar en este bloque que es importante hablar acerca de la naturaleza del arte, ya que este evoca emociones tanto en los artistas como en el receptor, además nos lleva a reflexionar acerca del mundo que nos rodea y nos brinda una visión propia de cómo somos como seres humanos.

El arte surge a través de la necesidad de comunicar y expresar ideas acerca de lo que nos rodea, lo que vemos y lo que percibimos. Es por esto que desde la prehistoria se sabe que ha habido muchos artistas, ya que siempre ha existido esa necesidad de comunicar ideas a los demás. a continuación, presentare algunos ejemplos de pinturas durante esta época. 

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Además, teniendo en cuenta la información anterior podemos reflexionar acerca de cómo desde el aula se puede originar el arte y aquí es donde me pregunto:

1. ¿cuál es la naturaleza del arte?

La naturaleza del arte puede que haga referencia a la esencia y la existencia del arte. Además, el arte se considera una expresión de la creatividad humana. Es una manifestación de la capacidad humana para crear significado, belleza y comunicación a través de formas visuales, auditivas, literarias, o escénicas.

Cuando hacemos arte también reflexionamos sobre la realidad porque puede capturar aspectos de la experiencia humana, representar la vida, la emoción, la naturaleza, o incluso cuestionar la realidad misma a través de la abstracción y la experimentación. Así, mismo se puede decir que el arte a menudo sirve como un medio para conectar lo particular y lo universal porque representa experiencias y emociones personales, pero al mismo tiempo, comunicar ideas y sentimientos que resuenan con una audiencia más amplia.

La ontología del arte reconoce que los significados pueden variar de persona a persona y el arte depende de la experiencia y el contexto de cada individuo.

2. ¿Cómo se expresa en el arte su estado de conciencia?

   En el ámbito de la filosofía del arte y la ontología, la expresión del estado de conciencia se refiere a la capacidad del arte para comunicar las experiencias y emociones del artista o del sujeto que lo crea. El arte, a través de su forma y contenido, puede ser un medio para expresar estados de conciencia, pensamientos, emociones, reflexiones y perspectivas personales. Por ejemplo, un pintor puede utilizar colores, formas y composición para transmitir su estado emocional o su visión del mundo, mientras que un compositor puede utilizar la música para expresar sus sentimientos y pensamientos. La naturaleza específica de esta expresión puede variar según el medio artístico y la intención del creador.

 3. ¿Cuál es su dialéctica en el contexto del arte y la ontología?

   La dialéctica es un proceso de cambio y desarrollo basado en la interacción de opuestos o contradicciones. En el contexto de la filosofía del arte y la ontología, la dialéctica puede aplicarse de diversas maneras. En el caso de las obras de arte, la dialéctica puede referirse a la interacción de elementos contrapuestos, como lo abstracto y lo concreto, la belleza y lo grotesco, lo individual y lo universal, la tradición y la innovación. El arte puede ser un espacio donde estas contradicciones se enfrentan y se resuelven o se mantienen en tensión, lo que puede dar lugar a nuevas perspectivas y significados.

4. ¿Qué se entiende por su corporeidad en el contexto de la ontología y el arte?

   La corporeidad se refiere a la calidad de tener un cuerpo o estar relacionado con el cuerpo humano. En el contexto del arte y la ontología, la corporeidad puede ser una característica importante, especialmente en las artes escénicas como la danza y el teatro, donde el cuerpo humano es el medio principal de expresión. La corporeidad puede incluir la expresión de emociones a través de gestos, movimientos y posturas corporales, así como la relación entre el cuerpo y el espacio circundante. También puede relacionarse con la representación de la figura humana en la pintura y la escultura, donde la representación del cuerpo humano puede tener connotaciones simbólicas, estéticas o conceptuales. La corporeidad en el arte y la ontología puede explorar cómo el cuerpo se convierte en un vehículo de expresión artística y cómo se relaciona con la experiencia humana en un contexto estético y filosófico.

Durante la primera clase de la filosofía del arte además de crear un pequeño debate entre en grupo acerca de la ontología, también tuvimos la oportunidad de crear un dibujo el cual les compartiré a continuación: